Blur 'The magic whip' su siguiente producción tras una larga pausa de 12 años
MADRID, ESPAÑA /ABR/2015.- "El 'brit pop' no fue algo real", alega una de sus bandas pródigas, Blur, en boca del más pródigo de sus integrantes, el guitarrista Graham Coxon, de vuelta junto al resto de sus compañeros para entregar "The magic whip", el primer disco de estudio del grupo desde la publicación de "Think tank" hace 12 años.
"Lo que se llamó 'brit pop' era simplemente gente haciendo música. No hacíamos nada británico por la fuerza; sonaba como somos", insiste el músico en una conversación telefónica con Efe ante la salida mañana a la venta de su octavo disco de estudio.
Espejismo o no, "The magic whip" (Warner Music) supone el retorno al estudio de grabación de uno de los principales emblemas musicales de los años 90, protagonistas junto a Oasis de la exitosa oleada de bandas de pop-rock británico.
Blur inició su carrera en 1991 con "Leisure", al que sucedieron álbumes que se convirtieron en clásicos de la década, como "Modern Life Is Rubbish" (1993), "Parklife" (1994), "The Great Escape" (1995), "Blur" (1997) y "13" (1999). Aquel fue el último álbum del grupo en el que había participado Coxon hasta la fecha.
En 2001 la relación con sus compañeros Damon Albarn (vocalista y compositor principal), Alex James (bajista) y Dave Rowntree (batería) se había malogrado notoriamente por culpa de su adicción al alcohol. Su aportación a la grabación de "Think tank" fue anecdótica, antes de ser conminado a abandonar las filas del grupo.
Reencauzada su vida, y después de varios años de Blur en barbecho, Albarn y Coxon hicieron las paces, se reunió la banda de nuevo y a partir de 2009 comenzaron a ofrecer conciertos.
"Creo que sencillamente hemos entrado en un nuevo terreno en el que los problemas se dejaron atrás. Estos brotan como hongos, pero somos seres humanos y no hay que darles mayor importancia", afirma Coxon.
"Damon tenía algunos sonidos y acordes en la cabeza y la inspiración nos pilló en una ciudad diferente", relata Coxon sobre su decisivo paso por Hong Kong en 2013.
La repentina cancelación de un festival en Japón les obligó a permanecer cinco días en esa metrópoli asiática. Para aprovechar el tiempo, se confinaron en los estudios Avon y el milagro se obró, gestando quince nuevas canciones con un claro influjo oriental.
"Es Blur respondiendo a un entorno específico. La inspiración nos pilló en Asia, no en Londres, y la atmósfera de la ciudad se reflejó en la música y en las letras", opina el guitarrista.
Más allá de cortes como el inaugural "Lonesome street", en el que se reconoce el estilo más clásico de Blur, el toque asiático se percibe, por ejemplo, en la cadencia rítmica de temas como "New world towers" o "Ice cream man".
También inspira el fondo temático de "Pyongyang", el cual, a pesar de su título, no versa sobre la dictadura norcoreana, sino que evoca un limbo espaciotemporal que "sirve para manifestar cierta desconexión con la realidad".
Coxon recogió todo aquel material y se puso manos a la obra para perfilarlo junto al productor Stephen Street, mientras Albarn promocionaba su primer disco en solitario, el aplaudido "Everyday robots" (2014). Ante los progresos obtenidos, Albarn volvería a Hong Kong una vez más para completar las letras del disco.
Su toque, dice, está "bastante" presente en este disco, por ejemplo en las guitarras, tanto en las acústicas como en las eléctricas (procesadas con "reverb"), pero también en los coros, en algunas líneas de bajo, en percusiones...
Lo que sí ha cambiado son las pulsaciones. El resultado final son doce canciones que, con salvedades como "Go out", suenan bastante más reposadas. "Ya no somos jóvenes. Somos hombres más tranquilos ahora", comenta lacónico.
El título, "The magic whip" (en castellano, 'El látigo mágico'), surgió de los apuntes que Albarn encontró entre sus cuadernos y juega con múltiples significados. "Podría ser un helado -como el de neón que ilustra la portada del álbum-, aludir a un instrumento de control o apelar a la magia de hacer música", explica.
Con tantos éxitos como "Song 2", "Girls & Boys", "Parklife", "Country house" o "Coffee & TV", Blur tenía material suficiente para sostener conciertos y más conciertos. Los años pasaban y no parecían nerviosos por ofrecer un disco con material inédito, más allá de alguna rareza esporádica.
Sus seguidores tendrán oportunidad de disfrutarlo en directo, porque la banda ya ha anunciado varias fechas de conciertos importantes, como el macroconcierto "British Summer Time" en Londres y su participación en julio en la próxima edición del Festival Internacional de Benicàssim (FIB), en España.
TOUR DATES
JUN 13 Isle Of Wight Festival Isle Of Wight, United Kingdom
JUN 15 Zénith De Paris Paris, France SOLD OUT
JUN 20 Hyde Park London, United Kingdom
JUL 17 Super Bock Super Rock Sesimbra, Portugal
JUL 18 Benicassim Festival Castellon, Spain
JUL 22 Hong Kong Convention And Exhibition Centre Wan Chai, Hong Kong-China
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Blur de nuevo con disco....Xtreme Rock Radio Monterrey
2 bandas con Ayotzinapa.... Xtreme Radio Monterrey ... all the rock that you want
Calle 13 recuerda a los 43 estudiantes de Ayotzinapa
MONTERREY, NUEVO LEÓN ABR/2015).- René Perez "Residente", vocalista de Calle 13, instó a mantener viva la lucha de los 43 estudiantes desaparecidos hace siete meses en el sur de México, e invitó a los latinoamericanos a abrazar y luchar responsablemente por las causas sociales que la región demanda.
El cantante del famoso dúo boricua dijo el sábado, durante su participación en el Festival Pa'l Norte, que los músicos deben tomar los escenarios para expresarse, y afirmó que su apoyo a las familias de los 43 jóvenes desaparecidos en el estado sureño de Guerrero, ha sido desde el principio con total sinceridad.
"Voy a ser honesto, cuando me uní a esta causa (la de Ayotzinapa), así como lo han hecho los hermanos de Café Tacvba y otros artistas de acá de México, hubo personas que no entendieron que éste (el escenario) es el espacio de todos. Este es el espacio de ustedes y está para manifestarse cuando quieran o necesiten", expresó Residente, previo a interpretar la canción "El Aguante", durante su intervención en el festival musical que desde el viernes se realiza en la norteña ciudad de Monterrey.
"Yo soy parte de esa labor y lo hago con todo corazón y no hay nada más que el aprecio de ustedes", señaló Pérez que, junto a Eduardo Cabra, dan vida al popular dúo de música urbana, ganador de varios premios Grammy y Latin Grammy.
Residente dijo que espera que sus colegas músicos se unan a otras causas sociales que demanda Latinoamérica, tales como la liberación del independentista puertorriqueño Oscar López, detenido en 1981 por el FBI, considerado el "Mandela latinoamericano".
"Ojalá algún artista de México lo haga, como nosotros lo hemos hecho en Latinoamérica y se pongan la camisa de mi país, de nuestra lucha. '¡Están invitados, no me molesta!", apuntó el cantante de 37 años.
Residente fue duramente criticado por el vocalista de Zoé, León Larregui, cuando el boricua portó una camiseta con la leyenda "Ayotzinapa. Faltan 43" durante la pasada edición de los Latin Grammy. El líder de la agrupación mexicana arremetió en su cuenta de Twitter contra el puertorriqueño.
La desaparición de los 43 jóvenes de Ayotzinapa, el 26 de septiembre pasado, ha conmocionado dentro y fuera de México e incluso la ONU ha exigido una investigación transparente. Los familiares de los estudiantes han recorrido gran parte del interior de México, y su lucha ha tenido eco en países como Estados Unidos, Canadá y Reino Unido.
Molotov también imprimió el sello social y político en la primera jornada de la cuarta edición de Pa'l Norte, donde la agrupación integrada por el bajista Paco Ayala, los guitarristas Miky Huidobro y Tito Fuentes, y el baterista Randy Ebright, invitó al acordeonista de Kinky Ulises Lozano a subir al escenario para acompañarla en el tema "Frijolero".
"Somos un país ver... que nos valga madre la administración", dijo Tito Fuentes a las 44 mil personas ”de acuerdo con cifras de los organizadores” que asistieron el primer día del festival, en referencia con la crisis política, social y económica que atraviesa México.
Kinky hizo de su actuación del viernes en Pa'l Norte el inicio de su esperada gira internacional "MTV Unplugged", que llevará al grupo mexicano a realizar una serie de presentaciones que llegarán entre mayo y agosto a ciudades como México, Los Angeles, San Diego, Las Vegas, Chicago y Nueva York como parte de la promoción del álbum al que dio vida su participación en el famoso programa del canal de videos.
La agrupación originaria de Monterrey lució el espectáculo audio-visual que acompaña a su nueva gira, con una escenografía diseñada por el propio vocalista, Gil Cerezo, y las nuevas versiones de canciones como "Huracán", "A dónde van los muertos" y "Una línea de luz".
En el primer día de Pa'l Norte desfilaron sobre los dos escenarios montados en el Parque Fundidora los mexicanos Los Daniels, Ximena Sariñana, Galatzia, la chilena Gondwana, la británica The Kooks, y los estadounidenses 311 y Flo Rida.
Imagine Dragons, Garbage, Aterciopelados, Café Tacvba, La Gusana Ciega, Enanitos Verdes, Babasónicos e Intocable conforman parte del cartel para la segunda jornada del festival, que por primera vez en la historia de los conciertos en México celebra al rock hispano y angloparlante y enaltece a la cultura fronteriza en un mismo espacio
La gente me dijo que me matarían por hablar de Iguala: Fher de Maná
MADRID, ESPAÑA ABR/2015).- Maná carga contra "las mentiras de los medios de comunicación, las redes y los dictadores de Latinoamérica" en "Mi verdad", single de su nuevo álbum en el que aflora su faceta más comprometida, la misma que exhibieron cuando condenaron la desaparición de 43 estudiantes de Iguala, en su país.
El cantante Fher Olvera declaró el pasado octubre, antes de conocerse el presunto papel que habían jugado el exalcalde de la ciudad y su mujer, que se trataba de "una tragedia que nos atañe a todos, al mundo entero, porque es un crimen contra la humanidad, una desaparición forzada".
"Por decir aquello, mucha gente me dijo que me iban a matar, a lo que yo respondí: '¡Pero si ya no matan!'. En México siguen robando, pero quizás no lo tienen tan fácil, porque se denuncia. Los periodistas ya no tienen miedo. Los corren, pero tienen más valor porque ya no se atreven a matarlos", ha opinado Olvera.
La excusa para la conversación es "Cama incendidada" (Warner Music), noveno disco de estudio de esta banda latina con 40 millones de copias vendidas en su carrera y cuatro Grammys. Se publica mañana tras alcanzar el número 1 en la lista Billboard Hot Latin de EU con "Mi verdad", en el que colabora Shakira.
Se trata de "un bolero un poco cubano" que Olvera escribió para Dalí, su hijo de 7 años, aunque "también tiene una carga importante de denuncia, de cómo vivimos en un mundo lleno de mentiras".
"Tiene una importante carga de realidad latinoamericana y también española. Creo que allí también están fritos con la corrupción", comenta el músico, de 55 años, que integra Maná junto a Juan Calleros, Alejandro González y Sergio Vallín.
Además de "Mi verdad", existe otro momento de indudable fondo social en la primera versión grabada en la historia de Maná, para lo cual se fijaron en un emblema del folclor mexicano, Los Tigres del Norte, y en su tema "Somos más americanos".
A pesar de esos dos temas de gran peso social, Olvera subraya que "Cama incendiada" es, ante todo, un álbum "cachondo y sexy", en el que ellos, reincidentes convencidos en determinados rasgos musicales que los han hecho muy reconocibles, se atreven a explorar nuevos territorios estilísticos.
En ese proceso ha sido decisiva su primera colaboración con el productor George Noriega, el cual ya había trabajado con Gloria Estefan, con Shakira y con Ricky Martin.
El resultado es un disco "más playero, con calipso, reggae y algo de música electrónica", con un "cariz más sexy y más cachondo para bailar".
Maná, que comenzarán la gira de presentación de "Cama incendiada" en junio en Estados Unidos, realizarán después una serie de conciertos por toda España, según ha anunciado su discográfica, aunque de momento se desconocen las fechas y lugares exactos.
Un acústico tributo a los Beatles...Xtreme Rock Radio Monterrey
Jack Bruce's Final Recording Part Of Acoustic Beatles Tribute
Keep Calm And Salute The Beatles, an all-star acoustic tribute to the Fab Four will be released on April 28th and features the final recording by Cream legend Jack Bruce.
The 16-track project was spearheaded by Yes star Billy Sherwood and features an eclectic mix of music stars including Heart's Ann Wilson, 80s popstar Howard Jones, iconic singers Judy Collins and Helen Reddy, as well as Asia's John Wetton and more.
Jack Bruce's contribution, described as "a devastating interpretation of the mournful" Paul McCartney classic "Eleanor Rigy" was recorded by Bruce just prior to his death late last year.
Keep Calm And Salute The Beatles Track and Singer List
1. Across The Universe - Ann Wilson
2. Penny Lane - John Wetton
3. Eleanor Rigby - Jack Bruce
4. Blackbird - Liz Madden
5. Norwegian Wood - Andrew Gold
6. Hide Your Love Away - Todd Rundgren
7. All You Need Is Love - Helen Reddy
8. I'll Follow The Sun - Judy Collins
9. And I Love Her - Howard Jones
10. Ticket To Ride - Felix Cavaliere
11. Let It Be - KC
12. Yesterday - David Clayton Thomas
13. Nowhere Man - Martha Davis
14. All I've Got To Do - Stephen Bishop
15. Something - Billy Sherwood
16. Hey Jude - Leo Sayer
Ultima Grabación, parte de Jack Bruce acústica. Beatles Homenaje
Guarde la calma y salude a los Beatles, un tributo acústico de las estrellas a los Fab Four se dará a conocer el 28 de abril y cuenta con la grabación final por la leyenda del grupo la Crema Jack Bruce.
El proyecto de 16 pistas cuenta con una ecléctica mezcla de estrellas de la música incluyendo el corazón Ann Wilson, 80 popstar Howard Jones, cantantes emblemáticos Judy Collins y Helen Reddy, así como de Asia John Wetton y más.
La contribución de Jack Bruce, que se describe como "una interpretación devastadora de la lúgubre" y clásico Paul McCartney "Eleanor Rigby", fue grabado por Bruce justo antes de su muerte a finales del año pasado.
Guarde la calma y Salude The Beatles
La suerte en la Capital...Bohemia Rockera.... Xtreme Rock Radio MOnterrey
Álex Lora, Jaime López y Lino Nava. hoy en el Roberto Cantoral
Parafraseando el dicho, hoy jueves, a las nueve de la noche, arderá Troya y del caballo de madera saldrán tres bohemios rocanroleros: Alejandro Lora, Jaime López y Lino Nava, quienes tocarán algo de lo mejor de su repertorio en el concierto titulado Bohemia 21,organizada en el Centro Cultural Roberto Cantoral.
Será como una reunión alrededor de una fogata, en la que cada uno agarrará su guitarra, se echará una rola y el que sigue dirá: ¡Ah, sí! Pues escuchen ésta, y así continuará el otro, dijo en entrevista
Tomado de la Jornada.
Extracto
http://www.jornada.unam.mx/2015/04/16/espectaculos/a09n1esp
Arturo Cruz Bárcenas
Alejandro Lora, Álex.
A 45 años del principio de su trayectoria, añadió, “me divierto mucho y disfruto cuando estoy con la gente, que se divierte. Lo más gacho en toda mi carrera han sido las envidias, las críticas, y la represión. Después del festival de Avándaro, en 1971, hubo una represión muy fuerte para el rocanrol. El gobierno se espantó cuando vio la capacidad de convocatoria del rock. Ese año fue la bronca de los halcones, el 10 de junio, y estaba presente lo de Tlatelolco. A Avándaro iban a ir 10 mil personas, pero acabaron yendo casi 500 mil. El gobierno se dijo que no fuera ser que se dejaran caer todos juntos al grito de ¡vámonos sobre Palacio Nacional y mueran la anarquía y el mal gobierno! Ser rocanrolero era como ser narcosatánico.
http://es.wikipedia.org/wiki/%C3%81lex_Lora
Asociada a lo romántico
Jaime López expuso: “Sí, la bohemia se asocia más con los boleros, por ejemplo. Es lo romántico. Pasa como con la música tropical, que cuando así la llamas los ortodoxos te caen a palos. Romántico, se dice, es el bolero o la balada.
“En el ambiente del rock son más los chafos, un pochismo, y los palomazos. La bohemia en el rock es una tocada de toque y rol. El concepto se ha mantenido.
“Sí, puede ser ponerse a recordar, pero a mí eso de la nostalgia nunca ha sido algo que me motive. Pasado que no está vigente... para qué aferrarse; es como estar repitiendo un trauma. Se me hace un animal estéril.
La bohemia da cierto estatus cultural, se supone, a la borrachera. Un bohemio por lo menos escribe un cuento, un poema, y un borracho simplemente se agarra a un poste. Y... te por ocho... 24.
http://es.wikipedia.org/wiki/Jaime_L%C3%B3pez
Lino Nava expuso que conoció la bohemia mucho tiempo después de grabar su primer disco. “El heavy metal es mucho de tocar solo, de estudiar la guitarra y practicar seis o siete horas con metrónomo. Entonces no había ninguna interacción social. La única comunicación era con la guitarra, que se te quedaba marcada en el cuerpo.
“Después, cuando empezamos a tocar en el LUCC o en Rocktitlán, a principios de los años 90, conocí a muchos músicos y me sorprendía que me invitaran algunos grupos a tocar con ellos. Recuerdo que Alejandro Marcovich, de Caifanes, volteaba a mirarme con una cara de ¡quién es este chamaco!
Para Lino estar con músicos que admira desde que era más joven es un orgullo, un regalo de la vida.
http://es.wikipedia.org/wiki/Lino_Nava
La cita es hoy 04/16/2015 , a las 21 horas, en el Centro Cultural Roberto Cantoral. Boletos en taquillas y al 5325-9000.
Iron maiden gana el premio Silver Clef...Xtreme Radio Monterrey
Estamos muy orgullosos de anunciar los dos primeros ganadores O2 Plata Clef Award 2015 de 2015 - banda británica de heavy metal Iron Maiden y legendario grupo vocal pop ópera Il Divo.
En un evento de lanzamiento asistieron más de 100 invitados en el club en el Café Royal de esta noche, 23 de marzo de gafas se plantearon para celebrar a los ganadores, y el hito de 40 años en la historia de caridad Nordoff Robbins.
El primer premio de plata Clef fue presentado a The Who, por Twiggy, el 29 de junio de 1976. Paul Nordoff mismo vino al evento para hablar sobre su trabajo musicoterapia y £ 12,000 fueron recaudados.
En los 40 años de historia del almuerzo O2 Plata Clef, ha habido un total de 163 ganadores de los premios. Algunos de los nombres más grandes en la industria de la música han sido honrados como David Bowie, Eric Clapton, Pink Floyd, The Rolling Stones, Sir Paul McCartney, Sir Elton John, The Bee Gees, Michael Buble, Kylie Minogue, Pharrell Williams y muchos más.
El O2 Plata Clef almuerzo estelar anual se llevará a cabo el 3 de julio en el Hotel Grosvenor House, Park Lane, y desde su lanzamiento en 1976 los Premios han recaudado más de 8,5 millones de libras para financiar el trabajo de la terapia musical Nordoff Robbins.
First 2015 Silver Clef winners announced - Iron Maiden Iron Maiden son ganadores del Premio prestigioso O2 Plata Clef por su destacada contribución a la música del Reino Unido, en el reconocimiento de ellos uno de los exitosos e influyentes bandas más el mundo del rock de todos los tiempos, habiendo vendido más de 90 millones de álbumes en todo el mundo y ha jugado más de 2.000 conciertos en 59 países hasta la fecha.
Al ser coronado comentarios ganadores del Premio O2 Plata Clef Iron Maiden "Nordoff Robbins es una organización benéfica excepcional y su dedicación a cambiar las vidas de las personas a través de la terapia de la música es algo que todos mucho apoyo. Estamos muy orgullosos de recibir el Premio Clef O2 Plata y ser parte del evento 40 aniversario que celebra este maravilloso logro ".
First 2015 Silver Clef winners announced - Il Divo Primera y más exitosa cruzada clásica del mundo sobre el grupo, Il Divo se adjudicará el codiciado Premio Clásico PPL. El Grupo de ópera-pop multinacional habría vendido más de 30 millones de álbumes en todo el mundo, conseguido 50 números uno y registros recibido 160 premios de oro y platino en más de 33 países.
"Hemos visto en nuestra propia vida cuán poderosa puede ser la música y es aún más increíble ver como Nordoff Robbins utilizar la musicoterapia para cambiar y mejorar la vida de tantas personas."
Nordoff Robbins CEO Julie Whelan dice: "Es a causa de eventos como los Silver Clef Premios O2 que Nordoff Robbins es capaz de seguir ofreciendo servicios de musicoterapia esenciales a las personas vulnerables y aisladas en todo el Reino Unido. Desde 1976, el evento ha reunido a artistas de todos los ámbitos de la industria de la música, levantando una increíble £ 8,5 millones en el proceso.
"Felicitaciones a nuestros dos primeros ganadores - Iron Maiden, ganadores del Premio Clef O2 Plata y Il Divo que están ganando la Classical Award PPL. Nos sentimos honrados de que se unirá a nosotros y esperamos dar la bienvenida a los dos artistas para el almuerzo en julio
Esas malas compañias... Bad Company Straight Shooter...Xtreme Rock Monterrey
Bad Company 40th Anniversary Straight Shooter
The latest episode of the syndicated radio show In The Studio: The Stories Behind History's Greatest Rock Bands celebrates the 40th anniversary of Bad Company's sophomore album "Straight Shooter." The show sent over these details:
The year 1974 must have seemed quite a whirlwind for Brit blues-rockers Bad Company. As former members of Free, singer/songwriter Paul Rodgers and drummer Simon Kirke, along with ex- Mott the Hoople guitarist/ songwriter Mick Ralphs and bass player Boz Burrell (who had a stint with King Crimson), had all tasted success in the UK early in their respective careers, tagging them with the blessing/curse of "supergroup" upon the formation of Bad Company.
Bad Company had elbowed their way to the forefront of the rock world by the April 1975 release of their second album Straight Shooter, delivering the timeless hits "Good Lovin' Gone Bad", "Feel Like Makin' Love" and "Shooting Star" and avoiding a sophomore jinx.
In an interview with InTheStudio host Redbeard, Ralphs, Kirke, and Paul Rodgers recall how the Grammy- nominated "Feel Like Makin' Love" single, originally composed during Paul's time in Free but never finished, ended up on Bad Company's Straight Shooter album.
" We had come off a very heavy tour...We needed material, come to think of it... so I started to play it and I said to Ralphsy, 'It needs a chorus, something to come in heavy here.' So he says, 'How about this?' (hums guitar part of chorus). Weird isn't it? It came together like almost by accident. It might still have been floating around in my head today if we hadn't like needed a song desperately, you know." - Paul Rodgers
Bad Company "en el estudio" para Straight Shooter 40 aniversario
El último episodio del programa de radio En El Estudio: Las Historias detrás mejores grupos de rock de la historia celebra el 40 aniversario del segundo álbum de Bad Company "Straight Shooter".
El año 1974 debe haber parecido bastante un torbellino de Brit de blues-rock Bad Company. Como los antiguos miembros de Free, cantante / compositor Paul Rodgers y el batería Simon Kirke, junto con ex Mott the Hoople guitarrista / compositor Mick Ralphs y bajista Boz Burrell (que tuvo una temporada con King Crimson), todos habían probado éxito en el Reino Unido al inicio de sus respectivas carreras, etiquetándolos con la bendición / maldición de "supergrupo" de la formación de Bad Company.
Bad Company había codeado su camino a la vanguardia del mundo del rock por la versión de abril de 1975 su segundo álbum Straight Shooter, la entrega de los éxitos atemporales "Good Lovin 'Gone Bad", "Feel Like Makin' Love" y "Shooting Star"
En una entrevista con En El Estudio anfitrión Barbarroja, Ralphs, Kirke, y Paul Rodgers recuerda cómo el Grammy nominado "Feel Like Makin 'Love" único, compuesto originalmente durante la época de Paul como parte del grupo Free , pero nunca terminado, hasta en Straight Shooter de Bad Company álbum.
"Habíamos llegado a una gira muy pesado ... Necesitábamos materiales, ahora que lo pienso de ella ... así que empecé a jugar y me dijo Ralphsy, 'Se necesita un coro, algo por venir en pesado aquí.' Por lo que dice, '¿Qué tal esto?' (Tararea parte de guitarra de coro). Extraño ¿no? Se unieron como casi por accidente. Podría todavía haber estado flotando en mi cabeza hoy si no lo hubiéramos intentado suena como desesperada, ya sabes. " - Paul Rodgers
Si nada mas hay 7 Notas... Musicales... Xtreme Rock Radio MOnterrey
De Plagios y Tribunales
Una oleada de sonadas demandas obliga a replantear el escurridizo concepto de creatividad en la música pop
Robin Thicke, condenado por plagio por su exitoso tema 'Blurred Lines'.
Ha sido un golpe donde más duele: en la cartera. Un jurado ha dictaminado que el gran éxito de 2013, Blurred Lines, del cantante Robin Thicke, es un plagio de Got to Give it Up, pieza de 1977 del soulman Marvin Gaye. Y ha calculado la indemnización en 7.300.000 dólares (6.723.328 euros).
En el juicio se vieron comportamientos poco ejemplares. Thicke, acreditado como coautor, trasladó la responsabilidad al productor Pharrell Williams, alegando que, cuando se compuso el tema, estaba bebido y colocado con Vicodina, medicamento adictivo. Thicke cantó y Williams tocó la línea de bajo de ambos temas, intentando convencer al jurado de que existe una nítida raya entre el plagio y el homenaje a la música de una época, con ellos situados en el lado de los buenos, como alumnos de Marvin y demás maestros.
Extracto de El País
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/03/30/actualidad/1427727359_101194.html
Por :DIEGO A. MANRIQUE
Los veteranos culpan a la tecnología. Efectivamente, ahora tenemos a la disposición millones de canciones, una verdadera Discoteca Universal que facilita el copiar elementos de temas ajenos, de forma inconsciente o voluntaria. Las reglas de la propiedad intelectual no protegen estilos ni ritmos: el posible plagio se disputa sobre similitudes melódicas. La tecnología permite duplicar arreglos, timbres, conceptos de producción. Y la retromanía invita a la imitación total.
Plagios de artistas
Atrapados con las manos en la masa
En el pop, siempre abundaron los parecidos entre canciones, incluso de diferentes épocas y géneros. De eso derivan los mashups, también conocidos como injertos: sobre la base de una canción se injertan partes cantadas de dos o más temas. Una práctica ilegal, en la que anónimos manitas exhiben sus habilidades para el corto-y-pego. Uno de los actuales productores punteros,
Danger Mouse, se dio a conocer con The Grey Album: combinaba rapeos de Jay-Z, pertenecientes su The black álbum, con porciones del doble LP de The Beatles, alias el Álbum Blanco. Disponible en Internet, se descargó millones de veces.
El negocio discográfico ha defendido con fiereza sus fuentes de ingresos. Llegó el el rap y se popularizaron músicas que reciclaban grabaciones añejas: metafóricamente, digamos que el primer hip hop se construyó sobre sampleos de James Brown. En los ambientes de la vanguardia electrónica, se reivindicó el sampler como legítimo instrumento creativo. Pero no coló: tras sonoros encontronazos judiciales, se acepta universalmente que se necesita permiso para usar cualquier pedazo reconocible de un disco ya existente. Consecuencias: el rap, inicialmente arte povera de los guetos, resulta ahora todo lo contrario, una de las músicas más caras de elaborar.
Las reglas de la propiedad intelectual no protegen estilos ni ritmos
Obviamente, el veto de tomar discos ajenos es aplicable a todo tipo de músicas. Ignorarlo trae consecuencias funestas: el grupo británico The Verve no recibió ni un céntimo de su inmortal Bitter sweet symphony (1997). El error consistió en empapar la pieza con las cuerdas de una versión instrumental de The Last Time, éxito de los Rolling Stones en 1965. En compensación, la empresa propietaria del tema exigió –y consiguió- todos los ingresos derivados de Bitter Sweet Symphony y el cambio de autores. Como veremos, los propios Stones también fueron pillados en falta.
Las editoriales musicales, sean compañías independientes o apéndices de grandes discográficas, funcionan como silenciosas minas de oro. Lo del silencio se explica por su escaso personal: son oficinas de reparto, que delegan las antipáticas labores de recaudación en organizaciones como SGAE, la francesa SACEM o la alemana GEMA. Aparte, las editoriales buscan maximizar ingresos colocando su catálogo en discos, anuncios, películas. Y se ponen en modo de ataque cuando detectan aroma a plagio.
No nos enteramos de la mayoría de los conflictos. Se pacta una cantidad substanciosa y muchas veces el autor plagiado ni siquiera llega a aparecer en los créditos. Así, Jim Morrison firma como único creador de Hello I love you (1968), de The Doors, a pesar de que Ray Davies, cabecilla de The Kinks, logró que los californianos reconocieran lo evidente: su parecido con All Day and All of the Night (1964), segundo éxito del grupo británico.
Ocurre constantemente. Sam Smith, el triunfador de los pasados Grammy, está obligado a compartir los derechos editoriales de Stay with me con Tom Petty y Jeff Lynne, compositores del desafiante I Won’t Back Down (1988). Smith y sus ayudantes salvaron la honra jurando que la semejanza era casual.
En la vanguardia electrónica, se reivindicó el sampler como legítimo instrumento creativo. Pero no coló
La historia sugiere que mejor no recurrir a los tribunales. George Harrison se empecinó en negar las afinidades entre su glorioso My Sweet Lord (1970) y He’s so fine, primer éxito de las Chiffons. Cuestión de dinero (George era el más tacaño de los Beatles) y también de orgullo: imposible aceptar que su himno religioso derivara de una canción banal, producida de modo industrial. El beatle perdió, aunque el magnánimo juez federal aceptó la posibilidad del plagio subliminal. Humillado, Harrison se sintió paranoico al elaborar canciones nuevas y algunos de sus íntimos sugieren que su carrera como solista descarriló tras ese desastre.
El asunto My Sweet Lord viene a recordar un peligro del estrellato: rodeado de lacayos y amigotes, nadie se atreve a aguar la fiesta señalando algo dudoso en la última “ocurrencia genial”. En 1997, los Rolling Stones iban a publicar Anybody Seen my Baby como adelanto de su álbum Bridges to Babylon. Tenía un sonido moderno, como le gustaba a Mick Jagger, pero Angela Richards, hija de Keith, y sus amigas comprobaron que se podía cantar por encima Constant Craving, el hit de 1992 de K. D. Lang. Rojos de vergüenza, los Stones plantearon la situación a la cantautora canadiense. Lang aceptó no denunciar el “plagio subconsciente” a cambio de participar en los derechos editoriales.
No nos enteramos de la mayoría de conflictos. Se pacta un dinero y muchas veces el plagiado no aparece en los créditos
Estamos ante una casuística infinita: rara es la gran figura que no ha chocado con alguna canción. John Fogerty fue acusado de autoplagio: su The Old Man Down the Road (1984) tenía más que un aire a Run Through the Jungle (1970), grabada por su grupo anterior, Creedence Clearwater Revival, perteneciente a otra editorial. Fue una batalla más dentro de una guerra prolongada entre Fogerty y Saul Zaentz, productor cinematográfico que hizo fortuna con los millonarios discos de la Creedence. Armado con una guitarra, Fogerty tocó ambas canciones y demostró que, a pesar de que compartieran estilemas, eran composiciones diferentes.
En eso fracasaron Thicke y Pharrell Williams. La opinión general entre los observadores es que el jurado se movió por impulsos humanitarios: enfrentado a unos triunfadores hedonistas, prefirió entregar el botín –recuerden, 7.300.000 dólares- a los litigantes modestos, los herederos de Marvin Gaye.
Habrá recurso, aseguran. Mientras sigan vigentes las achacosas leyes de la propiedad intelectual, veremos muchas demandas similares. Es una buena noticia para los abogados especializados. Y para los cazadores de posibles plagios, musicólogos o simples personas con buenos oídos: hay faena para los que sepan localizar estructuras sospechosas en los grandes pelotazos y escribir informes periciales. Eso que oyen de fondo no es un instrumento de percusión: son los listos frotándose las manos.
Extracto de El País
http://cultura.elpais.com/cultura/2015/03/30/actualidad/1427727359_101194.html
Por :DIEGO A. MANRIQUE
Ringo Starr cumple con sus 18 ... Postcards from Paradis...Xtreme rock radio Monterrey
Ringo Starr publica 'Postcards from Paradise' su 18º disco
El nuevo álbum se ha grabado en el estudio personal del beatle en Los Ángeles (Estados Unidos), junto con los componentes de la banda "All Starr Band".
Los guitarristas Todd Rundgren y Steve Lukather, el pianista Gregg Rolie, el bajista Richard Page, el saxofonista Warren Ham y el percusionista Gregg Bissonett acompañan en este trabajo a Starr.
El antiguo miembro de los Beatles, de 74 años, aporta su voz a diversos temas, además de tocar la batería, el teclado y la guitarra. Starr se ha mostrado como un artista prolífico en los últimos años, al haber publicado cinco trabajos desde 2005.
Desde la salida al mercado de "Choose Love" (2005), el músico británico ha firmado "Liverpool 8" (2008), "Y Not" (2010) y "Ringo 2012" (2012), además de "Postcards from Paradise".
Starr ha contado con la colaboración puntual de diversos artistas, entre ellos el cantante folk Joe Walsh, el teclista Benmont Tench, el compositor Dave Stewart y la violinista Ann Marie Simpson.
"Si estoy grabando, estás por la ciudad y nos haces una visita, saldrás en el disco", dice el músico en su página web a propósito de las numerosas colaboraciones que aparecen en su nuevo álbum.